«Irati(2023)»

Portada de Irati

«Todo lo que tiene nombre existe»

Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Drama. Mitología. Capa y espada.

Director: Paul Urkijo Alijo.

Nacionalidad: Española.

Duración: 111 minutos.

  1. Sinopsis
  2. Reseña
    1. Consideraciones previas
    2. Historia
    3. Personajes
    4. Atmósfera/ Ambientación
    5. Conclusión
    6. La valoración de Belma

Sinopsis

Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el ataque del ejército de Carlomagno atravesando los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

Batalla de Rocesvalles

Reseña

Consideraciones previas

¿Quién es Paul Urkijo Alijo? Nacido en 1984 en Vitoria-Gasteiz (País Vasco) Paul Urkijo ha sido siempre un apasionado del cine, la literatura, la ilustración y los cómics. Con predilección por el género fantástico (qué bien me caes Paul) también es un gran aficionado a la lectura de mitología y cuentos tradicionales (muy muy bien Paul). Licenciado en Bellas Artes (2008) comienza pronto a desarrollar cortometrajes de ficción y animación. Estos cortometrajes que escribió y dirigió le granjearon la cifra de 85 premios nacionales e internacionales. 

Paul Urkijo
Paul Urkijo Alijo. Director y guionista.

Antes de ver “Irati” visioné de Urkijo “Errementari (El herrero y el diablo)” (2018), su primer largometraje y la verdad es que ya me resultó una película con mucha alma, cariño y ganas de hacer algo diferente y revalorar el género fantástico en nuestro país. Está basada en el cuento del folclore vasco “Patxi Errementaria” y os recomiendo mucho verla.

Historia

Gira en torno a los personajes de Eneko (personaje basado en la Leyenda de Eneko Arista fundador del Reino de Pamplona) e Irati. Por parte del heredero del valle, tendrá la difícil misión de recuperar el dominio, restablecer la hegemonía tras la muerte de su abuelo y encontrar el cadáver de su padre “el pagano”. Irati, mientras tanto, se trata de una joven bajo el cuidado de una anciana local anclada en las antiguas tradiciones del valle. Ella será quien guiará a Eneko hacia la tumba de su padre donde se encuentra el tesoro de Carlomagno y los restos del padre de Eneko que “supuestamente” murió en combate. 

La cueva de Mari

Por un lado, está el misterio del padre de Eneko, por otra, las extrañas características de la joven Irati y su procedencia. También y perfectamente trenzado a la trama de los personajes principales, la película te habla de un personaje más y no menos importante. “Los antiguos cultos paganos”. ¿Por qué digo que son un personaje más? Porque lo ves en los bosques, en sus criaturas, en Mari, en las montañas, las cuevas y sus pinturas… Porque la película también habla de cómo fueron abandonándose estos cultos centrados en la naturaleza y las deidades madre para adoptar el cristianismo imperante en el resto de Europa.

En lo que al guion se refiere, me parece exquisito. Tiene una estructura muy de leyenda artúrica pero reconvertido en una historia anclada en las raíces de nuestra península que por desgracia pocas veces se ve envuelta en tramas de héroes y fantasía (cuando precisamente nos faltan este tipo de historias).

Personajes

Variados, desarrollados, con motivaciones presentes y con características únicas. Aunque Eneko sea un personaje quizás más estereotípico que el resto, no deja de ser el héroe de nuestro viaje y de esta leyenda que nos cuenta Urkijo por lo que sí que aúna más las características de los típicos héroes odiséicos a los que les falta el viaje para madurar.

Sin embargo, es mediante el personaje de Eneko, ese heredero del valle educado en el cristianismo, que los antiguos mitos vascos se hacen presentes para que abra los ojos a una realidad que inicialmente despreciaba. Se trata de un personaje que evoluciona durante la película y que al final logra conmoverte cuando empatizas con él. 

Me ha llamado la atención la caracterización del personaje. Me gustó mucho Eneko Sagardoy. Este actor tiene unos rasgos muy potentes que distan mucho de los típicos héroes anglosajones y eso me encanta. Me gusta que en pantalla salga un héroe de pelo en pierna y cabello castaño oscuro, ¡viva! 

Irati

Encantada con Irati, con un personaje misterioso y cautivador al mismo tiempo. Sus pies, ese recurso tan sorprendente, bien desarrollado y único. No voy a desvelar nada sobre la naturaleza de este personaje pues considero que es parte de la esencia de la película. Tan solo diré que me ha sorprendido muchísimo cómo se ha desarrollado su historia y me alegro de que se hayan usado recursos (cómo entra en la casa de Mari tras la tormenta) que nunca antes se habían visto en pantalla. Edurne Azkarate se sale.

Me ha gustado mucho el personaje de la madre de Eneko (Nagore Aramburu), una mujer que tras la muerte de su marido supo hacer lo mejor para el valle, para asegurar la vuelta de su hijo y evitar el avance de los francos a pesar de tener que contraer nupcias con un sarraceno. Urkijo refleja así la riqueza cultural que existió en nuestra península y que nos hacen ser lo que somos a día de hoy (cristanos, paganos, musulmanes…).

Los gentiles, el ojáncano, Mari (increíble puesta en escena de la diosa), la lamia… Cada personaje de ese mundo mágico creado por Urkijo es parte indispensable de la inmersión en una mitología rica, profunda, fresca que nada tiene que envidiar a los dragones, las sirenas y otros mitos ya tan conocidos por todos.

Lamia

Atmósfera/ Ambientación

El punto fuerte de la película. Esos bosques mágicos, esos elegantes efectos especiales, esas cuevas primigenias… He quedado maravillada. El momento más impactante de la película se lo lleva el padre de Eneko con ese “sangre por la sangre” inicial que desencadena… no te lo voy a decir. En serio, ve a verla. 

Ese episodio está seguido muy de cerca (en cuanto a espectacularidad) del momento en el que Eneko se encuentra con Mari en su morada. Es difícil de explicar pero después de haber leído tanta mitología vasca para documentarme sobre una de las facciones del mundo fantástico que estoy creando ha sido como encontrarme con la idea de lo que la diosa debería ser. Un ente femenino, ardiente, rodeado de enigmas pero también de lo mundano, cuya fuerza se va perdiendo con la evolución del hombre hacia nuevas creencias. 

El filme tiene momentos verdaderamente épicos, de aventura, de misterio, a veces de horror, de amor y ternura, muy emocionantes y sorprendentes. Las batallas muy bien recreadas además de la crudeza con la que se ejercía la justicia.

Loarre
Castillo de Loarre en Huesca, escenario de la película.

Conclusión

Creo que es lo mejor que he visto en años. Ve al cine y apoya esta maravilla si te gusta la fantasía, la mitología, los cuentos y las leyendas. Por favor, necesitamos más películas como “Irati” que nos recuerden nuestros mitos, nuestros antiguos dioses y la historia de un pasado emocionante… Quiero héroes así, que se parezcan a mi vecino Juan que juega en el equipo de balonmano y a Carmen que es rarilla pero que da un morbo que te cagas. Estoy cansada de ver retellings de historias ancladas en el folclore anglosajón y ya es hora de reivindicar nuestras leyendas, de descubrir nuevos horizontes y sorprendentes criaturas. Quiero ver nuestra cultura lucirse en la pantalla grande. La verdad es que no se me ocurre mejor persona para contarnos esas nuevas historias que Paul Urkijo. Felicitaciones, me tienes enganchada, genio.

La valoración de Belma

¡Espectacular! Le otorgo mis cinco sellos de excelencia ¿Qué haces que no has ido a verla ya al cine?

Irati

«As Bestas»(2022)

Género: Thriller, Drama, Vida Rural.

Director: Rodrigo Sorogoyen.

Nacionalidad: Española.

Sinopsis

Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.

Reseña

Consideraciones previas

Después de la brillante “Que Dios nos perdone” (2016) y la serie remake de “Historias para no dormir” (2021) la verdad es que tenía motivos para ir al cine este fin de semana a ver otra nueva cinta de Sorogoyen. El madrileño galardonado con siete premios Goya tiene una trayectoria lo suficientemente sólida como para apostar fuerte por una película cuyo trailer me impresionó desde el primer momento. Primero porque es un retrato de la vida rural de la Galicia profunda y segundo por la belleza de los parajes y su fotografía. 

Historia

La historia parte de una idea muy simple y es un conflicto de intereses entre dos grupos familiares. La familia de Antoine, el francés, ha comprado una finca con la que había soñado toda la vida con el objetivo de repoblar un pequeño pueblecito en el que ni niños viven. Por otro lado, los hermanos Anta llevan una vida de pesadilla cuidando de unas tierras que tan solo les ha dado sufrimiento y trabajo a ellos y a sus ancestros. Una empresa noruega de energías renovables aparece en la ecuación ofreciendo una cuantiosa suma por la venta de las tierras para la construcción de molinos.

A pesar que en primera instancia no se trata de una argumento demasiado interesante, es la intensidad de la actuación de actores de la talla de Luis Zahera, Marina Föis o Denis Mènochet acompañada de unos planos largos, unos paisajes de ensueño y unos conflictos muy bien construidos desde las primeras escenas que la película logra una tensión y una intensidad inmejorables.

La película introduce temas tan interesantes como la xenofobia, la incultura, la autorrealización, la venganza, el perdón, el rencor, la familia, la desesperación… Es una historia real, costumbrista, que de seguro habrá ocurrido y ocurre en nuestro país y que hace un retrato de nuestra cultura pesimista pero crudo y profundo. Un film que trata de realzar las carencias y las oportunidades de las que dispone la vida rural de la península, los dilemas morales que no son comprendidos entre las dos familias ya que se encuentran en marcos sociales y culturales muy distintos.

Personajes

Uno de los mejores momentos de la película desde mi punto de vista es cuando Antoine insiste en beber con Xan para discutir el conflicto de intereses una vez los hermanos habían comenzado ya a molestar con sus represalias sobre el matrimonio francés. En ese momento es donde se quedan claras las posturas de los dos mejores personajes de la historia, los más ricos y los más atormentados por el conflicto, por lo menos en la primera parte de la película. Dos seres increíblemente diferentes, nacidos de dos mundos distintos cada uno acostumbrado a resolver los conflictos de modos muy diferentes. 

La película hace retratos muy ricos de cada personaje. Olga es el tercer personaje más importante de la película que cobra más protagonismo en la segunda parte y que tiene una intensidad, una fuerza y una determinación arrolladoras. Tanto, que es incapaz de ser comprendida por su propia hija Marie. Sin duda, un diez y es el apartado junto con la atmósfera que más aporta a la película. 

Atmósfera/Ambientación

La joya de la corona. Es un placer sentarse a ver dos horas y media de película con una riqueza tan variada de fauna, flora, paisajes, planos, idioma, gastronomía… Es una de esas películas que es pasaje hacia otro lugar sin tener que moverte de la butaca, es una verdadera delicia. Para mí una secuencia tan sencilla como la muerte del pastor me impactó muchísimo, porque contenía tanto mensaje y dramatismo en un solo momento que se me puso la piel de gallina. 

El arte sutil de esta película es apuntar a lo que no se dice, en ver lo que no se habla, en observar lo que tiene lugar en un entorno tan propio y particular en el que cualquiera se sentiría un forastero y se frustraría al pensar si realmente la epopeya de los protagonistas merece o no la pena. El reflejo de la rutina diaria de los personajes no resulta aburrida, la película recrea a la perfección el amor que Olga y Antoine profesan a su hogar, a la tierra de sus sueños y cómo el tormento de otros puede llegar a arruinar ese amor que se profesan el uno al otro y que irradia a todo lo demás. 

Conclusión 

Me parece una película excelente que requiere paciencia, para disfrutar como se puede disfrutar ver a un pintor realizar los trazos sobre el lienzo, es una película que ama la naturaleza, que ama al ser humano pero que también lo refleja con toda su crudeza. Si es cierto que la película tiene a mi modo de ver algo que no ha terminado de convencerme pero que considero que se trata de algo personal… El final creo que está algo descompasado, parece que la película crea una tensión constante en la segunda parte que culmina en corte drástico al final y aunque no creo que le falte metraje a la película quizás hubiera sido interesante para mí darle un final algo más dramático, una traca final un poco más intensa que justifique la tensión prometida especialmente en el último tramo. Por lo demás, una película bella y dura. 

Valoración: 4/5

«Modelo 77» (2022)

Género: Drama, Thriller, Basada en hechos reales, Drama carcelario, años 70.

Director: Alberto Rodríguez.

Nacionalidad: Española.

Sinopsis

Cárcel Modelo. Barcelona, 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 10 y 20 años, un castigo desproporcionado para la cuantía de su delito. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes que se está organizando para exigir una amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo.

Reseña

Consideraciones previas

Compré mi entrada a sabiendas de lo que me estaba haciendo. Después de ver «La isla mínima» (2014) con Javier Gutiérrez también como buque insignia del reparto me dejó prendada. La sordidez, la expresividad y el dramatismo que el director había conseguido llevando las marismas de Huelva a la gran pantalla no tuvo precio para mí.

Así que, mis expectativas eran altas con respecto a la película. Por el director, por el reparto y la temática, ya que las películas ambientadas en cárceles por regla general siempre han acabado por gustarme (no sé por qué).

Historia

A escasos meses de la muerte del dictador, nuestro protagonista, Manuel, es encarcelado en la Modelo de Barcelona (actualmente una cárcel abandonada) por un crimen de pequeñas magnitudes. A espera de juicio, y viviendo unas condiciones lamentables, comenzará una odisea por la lucha de los derechos de los presos en las cárceles españolas de la época posfranquista.

Un muy buen guion cargado de reivindicación, de claroscuros, de esperanza e incluso con sitio para el humor. Al estar basada en hechos reales se trata de un argumento sólido, interesante y enriquecedor. Es una de esas películas que son cápsulas del tiempo como «Matar a un ruiseñor». Son filmes muy realistas, crudos, que nos ponen delante dilemas morales importantes ocurridos en la vida real, en este caso en España y aunque trate de otra época viene a poner sobre la mesa dilemas que no nos planteamos a diario (y que sin embargo es la realidad de muchísimas personas en el mundo) como es la vida en la cárcel y las implicaciones que tiene la existencia de las condenas en nuestra sociedad.

Personajes

La película hace un retrato quinqui magistral de los capos que uno podría encontrarse en una cárcel de los 70 en la España posfranquista.

Un grande Miguel Herranz hace de Manuel, el protagonista de la historia. Su personaje hace una transformación brutal desde su entrada en la Modelo. Pasa por todas las etapas del duelo hasta implicarse en el sindicato de presos Copel en la lucha contra la amnistía (liberación de los presos encarcelados bajo régimen franquista) pasa de la entrega absoluta y esperanzar a su compañero de celda Pino (el gran Javier Gutiérrez) hasta perder por completo las ganas de continuar cuando cambia la jefatura de prisiones y no conceden la amnistía. Me ha gustado mucho la hermana de la novia, Lucía (Catalina Sopelana). La chica se enamora de Manuel al entrar en la cárcel y van teniendo una historia de amor velada en la que ella le muestra cosas del exterior de manera que es así cómo el va experimentando cómo va cambiando el mundo «de fuera».

Destaco también a Pino (Javier Gutiérrez) un interno con casi una perpetua. Después de muchos traslados entre cárceles nacionales tiene un carácter peculiar, asocial, controlador. Ha perdido toda esperanza y al principio trata a su compañero de celda con condescendencia. Me gustó mucho el detalle de que sus más preciosas posesiones fueran novelas de ciencia ficción. 

También hay grandes secundarios. La historia del Negro es conmovedora, Marbella interpretado por un sublime Fernando Tejero (la estética es tan quinqui de los setenta… me encanta), de ente los funcionarios tenemos también a Alfonso Lara que aporta ese tono sarcástico y al mismo tiempo algo entrañable (los comentarios que hace sobre la democracia son muy buenos) y por último pero no menos importante el sibilino y mortal Rubí. Un ángel malvado de Caravaggio.

Atmósfera/Ambientación

La abandonada Modelo luce espectacular. Formidable recreación de la época y el lugar atestiguado por el reportaje de fotografía original que aportan en los créditos (sí, me quedé a verlos) .

No evaden ninguna especificación de las crudas y miserables condiciones de las prisiones durante aquellos años. De hecho, fuentes muy fiables relacionadas con las ciencias penitenciarias me afirmaron después del visionado de esta película que cuando van a ver a Manuel durante el aislamiento, la posición de brazos en cruz actualmente sigue siendo protocolaria.  Por lo que conozco que la documentación ha sido excelente.

La claustrofobia y la opresión son invocadas en los momentos oportunos. Yo especialmente lo he notado en la escena de los muelles de la cama. Pura demostración de la más cruda desesperación. En contraposición hay momentos de humor ingeniosos, inocentes, que logran sacarte una sonrisa y que personifican a los alienados presos largo tiempo abusados, pero deseosos de recuperar humanidad perdida.

La película es un retrato sociopolítico mordaz sobre la situación de los presos de la cárceles franquistas en el momento en el que se acabó el régimen que les había metido en la cárcel. A muchos de ellos, por motivos injustos.  Hay momentos de tensión y de horror (el momento Rubí hiela la sangre) solo posibles gracias a la inmersión que logra.

Conclusión

La «Cadena Perpetua» a la española y no es por desmerecerla, al revés. Creo que por fin tenemos una contextualización de un drama carcelario made in Spain con una calidad excelente e imbuida de nuestra cultura y nuestra historia ( a veces dolorosa de recordar pero de la que hay que sentirse orgulloso pues fueron los primeros pasos hacia un nuevo país con unos nuevos valores). Me ha gustado muchísimo y es que Alberto Rodríguez lo vuelve a hacer, un verdadero películón que vas a disfrutar si te gusta el cine de reflexión, social, histórico y de reivindicación. O si simplemente quieres viajar en el tiempo.

Valoración

4/5

«El Verdugo» (1963)

Género: Comedia, Drama, Comedia Negra.

Director: Luis García Berlanga

Nacionalidad: España-Italia

Sinopsis

José Luis, el empleado de una funeraria, proyecta emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Su novia es hija de Amadeo, un verdugo profesional. Cuando éste los sorprende en la intimidad, los obliga a casarse. Ante la falta de medios económicos de los recién casados, Amadeo, que está apunto de jubilarse, trata de persuadir a José Luis para que solicite la plaza que él va a dejar vacante, lo que le daría derecho a una vivienda.

Reseña

Difícil reseñar una obra cumbre del cine español como es » El Verdugo» y muy triste que haya sido ahora cuando la he visionado. Son 90 minutos de película en blanco y negro que nos llevará a la España del régimen franquista.

Pensé que se podría hacer duro adentrarse en una película con casi 60 años de edad, pero lejos de la realidad, la cinta me ha resultado fresca y de un dinamismo formidable.

La película es una caricatura del país que teníamos en aquel momento. El rol de la mujer y también del hombre,  las convenciones y perjuicios morales, la posición de la iglesia, la avalancha de turistas que ya disfrutaban de nuestras costas por aquel entonces… Es como viajar en el tiempo sin necesidad de usar el DeLorean.

Pero lo que me ha parecido más especial de esta película es la crítica ácida, mordaz pero resultona. La cinta goza de una gracia cómica mediante la cual hace partícipe al espectador de las miserias y las pocas posibilidades del español de a pie en aquellos momentos. Hay escenas ridículas que buscan el humor pero al mismo tiempo son fruto de hechos no fortuitos que el cineasta nos coloca delante para que se haga de notar un hecho significativo de la sociedad o de la cultura del momento.

Habiendo leído el libro «La Familia Pascual Duarte» de Camilo José Cela, puedo decir, que sin tener episodios tan sórdidos como ésta, si que hay en concreto un par de escenas que ponen la piel de gallina. Ese para mí, es el gran golpe de efecto de la película. Nos plantean una dinámica aparentemente desenfadada para darnos un golpe mortal de realidad al final que resulta frío e ineludible.

La película declara una guerra prácticamente abierta a la pena de muerte, en un país en el que por entonces su dirigente era conocido en el extranjero como «El Verdugo». Y es que a pesar de los años que han pasado yo a esta película, por desgracia, aún le encuentro vigencia.

Una España donde el ciudadano sigue mirando al extranjero como el modo de formarse para ganar la experiencia y el dinero que su tierra le niega. Un país en el que la picaresca sigue en alza para hacer frente a las escasas oportunidades que brinda el Estado. Todo ello, mientras los turistas disfrutan de sus copas en Magaluf y el precio del alquiler nos ahoga a todos. Salvando las distancias, sin duda se trata del mismo país con esencialmente los mismos problemas.

Me alegro mucho de haber tenido el atrevimiento de ver esta película, estaría encantada de ver otra obra del valenciano Berlanga y ahora sí, se por qué es considerado uno de los cineastas más importantes del cine español.